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Perfil actualizado

Escritor, periodista cultural, traductor y fotógrafo.

He publicado artículos en EL PAÍS, CARTELERA TURIA, ROCK DE LUX, CALLE 20, H MAGAZINE, EL HYPE, EL MANGLAR, LA GUÍA DEL CÓMIC y en diversos medios online o no profesionales.

Fui redactor a tiempo completo en dos revistas de diseño, EXPERIMENTA y PASAJES DISEÑO, y he trabajado como redactor de contenidos y content manager, de forma frelance o en plantilla, para varias marcas y empresas. También fui coordinador editorial de una editorial de cómics tan underground que prefiero no mencionar su nombre.

He publicado un libro de relatos, HISTORIAS HERMOSAS Y REPUGNANTES (Editorial Cocó, 2011).

Mi formación original es de técnico en Imagen y sonido, pero la he complementado con formación no oficial en Periodismo, en centros como La Escuela de Letras de Madrid.

Desde 2013 estudio por libre el grado en Estudios Ingleses en la Uned, lo que me está proporcionando un bagaje y una intimidad insondable con la lengua inglesa y la cultura anglo-americana, además de una nueva faceta como traductor.

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Primera fase del cómic digital

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Cuando apareció el iPad en 2010 quedó en evidencia que, entre otros usos, era una máquina ideal para leer o visualizar tebeos digitalizados. Desde entonces, el mercado internacional del cómic comercial ha sufrido una saludable revolución, especialmente gracias a dos plataformas de venta y lectura, la norteamericana Comixology y la francesa Izneo. Como el escenario digital tiende a la concentración de actores involucrados, una y otra han basado su éxito en generar alianzas de las editoriales más poderosas de sus respectivos países, y no por casualidad Estados Unidos y Francia son las potencias del cómic occidental. En España, la situación es muy diferente. Pero vamos por partes.

Mientras la tendencia en ciertos modelos de cómic de autor consiste en subrayar el aspecto objetual del libro o cuaderno de historietas, parece evidente que el cómic comercial o popular tiene en los dispositivos digitales un soporte de futuro con sus propios desafíos narrativos. Antes o después, el cómic para tabletas, teléfonos o computadoras se convertirá en un arte nuevo, en un medio híbrido, donde la animación y la interacción tendrán un papel relevante. Por ahora, la transición consiste en leer en estos aparatos los seriales de formatos tradicionales de publicación, como los cuadernillos grapados de quiosco o los álbumes europeos de grosor estandarizado. La experiencia de lectura acostumbra a ser satisfactoria, porque la luz integrada de tabletas y teléfonos embellece la línea de dibujo y las secciones de color de un modo que suele superar a la reproducción de imprenta estándar.

Como decía, no ha sido posible recrear en España la experiencia de Izneo en Francia, o de Comixology –recientemente adquirida por Amazon– en Estados Unidos. Por ahora, el sector del cómic en soporte digital en nuestro país está muy desarticulado. En un escenario donde ha estado y está comprometida la supervivencia de varias editoriales, es comprensible que sus responsables no hayan tomado decisiones en este sentido. Aparte de sellos como Planeta DeAgostini, que ofrece sus títulos directamente en las tiendas digitales de Android y Apple, son destacables dos plataformas complementarias que todavía se mantienen en una primera fase, pero que pueden ser actores de futuro, Koomic y Cimoc.

Koomic cuenta con una reducido pero notable catálogo de títulos de diversas editoriales: Aleta, Diábolo, Dibbuks, Edicions de Ponent, Inrevés o La Cúpula, entre otras. Es especialmente significativa la contribución, todavía limitada, de Panini Cómics y, sobre todo, de Ediciones B, una editorial que publica a superventas del tebeo español como Ibáñez o Jan. Por su parte, Cimoc está dotada, tanto en su versión web como en la aplicación móvil, con una interfaz gráfica muy atractiva, de uso sencillo y efectivo. Cimoc ha sido desarrollada por Norma Editorial, y cuenta con una selección de su amplísimo catálogo, aunque eventualmente podría incluir títulos de otras editoriales.

Koomic http://www.koomic.comCimoc http://www.cimoc.com

Publicado en BABELIA nº 1.173, EL PAÍS, 17 de mayo de 2014

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Design Probes by Philips

Emociones a flor de piel y metrópolis del mañana. Philips sueña con el futuro lejano, busca hacerlo presente. Más allá de su lirismo tecnológico, el programa de investigación Design Probes está regido por el pragmatismo. El objetivo es trasformar conceptos visionarios en experiencias de mercado.

Piel de emoción y LEDs. Philips diseña el estilo de vida del año 2020. Los vestidos del proyecto SKIN son fruto de una investigación que pretende desafíar la idea de que nuestras vidas son mejores por ser más digitales. Fue necesario un equipo interdisciplinar para llevar a buen término esta experimentación con tecnologías «más sensoriales que inteligentes»: un diseñador de moda, una arquitecta corporal, un ingeniero electrónico, un experto en tecnología de vestuario, un especialista en tejidos y varios artistas. Lucy McRae, la arquitecta corporal del departamento de Soft Technologies de Philips Design, explica: «Fue un proceso de simulación, de trasformar información biométrica en respuesta emocional». Los vestidos están diseñados para interactuar con el cuerpo humano y crear una representación visual de los sentimientos del portador. Por ejemplo, el Bubelle, llamado el «vestido del rubor», se comporta de modo diferente dependiendo de quien lo lleve puesto y de su estado de ánimo. «Se podría decir que nos interesan los extremos», afirma Clive van Heerden, de Philips Design. «Estamos examinando áreas pioneras de los adornos corporales como los implantes electrónicos y los emotoos: tatuajes que cambian de forma dependiendo de cómo se siente el portador». Todos los vestidos están hechos a mano y contienen un conglomerado de cientos de LEDs que se estimulan por la actividad cardíaca. «Es como tener un LED en cada terminación de cada pelo del cuerpo», explica Lucy McRae. Desde Philips se argumenta que esta concepción orgánica de la tecnología recupera una sensibilidad analógica en detrimento de la actual uniformidad digital. «En lugar de desarrollar algo que fuese ‘de encender o apagar’, hemos creado una interpretación emocional y sensorial». Es una visión insólita y preñada de posibilidades, que puede ser extrapolada como punto de partida para diseñar objetos, productos, e incluso edificios.

La poética del ciborg. Hay una poesía esencial en los proyectos de Design Probes. Tiene que ver con la apuesta de la empresa de Eindhoven por el diseño emocional, por generar conceptos y formas que apelan a los sentidos. Sin embargo, la suya es una perspectiva profundamente pragmática. Lo que Philips pretende, en última instancia, es crecer, desarrollar estrategias que estimulen su competitividad. «La innovación puede ser vista como una red de opciones», asegura Paul Gardien, de Desarrollo de Nuevas Soluciones, un programa de Philips Design que demuestra esta clarividente vocación de la empresa, ya que integra investigación en diseño y desarrollo económico. Sobre el papel del diseño, Gardien afirma: «Se pueden seguir diversos caminos para insuflar vida en las ideas más delicadas. La disciplina del diseño puede jugar un papel central en la toma de decisiones». Con Design Probes, Philips actualiza el debate sobre el ciborg, una cuestión ya antigua para la ciencia ficción más brumosa. Si consideramos que hay teorías que afirman que el hecho de utilizar ordenadores o conducir vehículos ya nos convierte en ciborgs, puede concluirse que estos proyectos radicales están abriendo nuevos y visionarios argumentos de discusión en esta materia. Las Design Probes apelan a lo más íntimo: a la piel. «Creemos que el cuerpo es una plataforma para la tecnología interactiva», asegura Lucy McRae, una de los responsables del proyecto Skin Tattoo. «Es hora de que tomemos en serio la posibilidad de utilizar el cuerpo como soporte de expresión». Gracias a su tinta direccional electrónica, el Skin Tattoo cambia de forma en virtud del estado sensorial del portador, interactuando y creciendo con, por ejemplo, «el tacto de un amante». Las Design Probes, sin embargo, también se ocupan del diseño a gran escala. Por ejemplo, de las dimensiones de vértigo de las megápolis del futuro. En ese sentido, el proyecto Off the grid / Sustainable Habitat 2020 aporta un concepto que puede ser relevante en los próximos años. Actuando como membranas, las pieles exteriores de estos «edificios activos» pueden recoger el agua de lluvia, la luz solar y el calor exterior y procesarlos para el uso interno. No es casual, de hecho, la mención de la fecha 2020. Se estima que, en las décadas venideras, se levantaran en China 200 nuevas ciudades de más de un millón de habitantes.

SKIN Tatoo. El tatuaje es una forma de expresión atávica. Su recuperación como elemento estético en las sociedades industriales ha estimulado el interés de Philips por explorarlo como «tecnología sensible».

El proyecto Off the grid propone un hábitat autosuficiente que esté al margen de la red convencional de suministros energéticos. Philips lo ha desarrollado como concepto sostenible para las nuevas ciudades chinas del año 2020.

Publicados en EXPERIMENTA 57 y 60

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Índice de Trabajos 2009

>Desde diciembre de 2008, periodista freelance colaborando en diversas publicaciones: Pasajes Diseño, Rockdelux, El Manglar, Madriz, Cartelera Turia. Preparando diversos proyectos personales como escritor, guionista, fotógrafo y realizador.

>Responsable y redactor de los contenidos del blog de reseñas culturales Técnica del quemarropa (26 entradas en 2009).

Artículos:

>Pasajes Diseño nº 9. (enero). Sección Noticias: íntegra, no acreditada; sección Trasnversales: artículos ‘Origami Chair’, ‘Tetra Lights’; sección Libros: ‘Calma’, ‘Fully Booked’, ‘Color y luz’.

>Pasajes Diseño nº 10 (febrero). Sección Noticias: ‘Casa de muñecas hipermoderna’, ‘Silvia Prada y Turmix enseñan en Bau, Premios Mies van der Rohe 2009’, ‘Disseny Hub: Observatorio del diseño’, ‘Optimismo nórdico en Estocolmo’; sección Transversales: ‘Plopp by Oscar Zieta’, ‘Sketch by Front Design’, ‘Bulo’, ‘Laia’, ‘Álvaro Catalán’, ‘Jonas Wagell’; sección Libros: ‘Why Architects wear Black’, ‘Diseño editorial’, ‘From control to design’.

>Pasajes Diseño nº 11. Sección Transversales: ‘Pour les Alpes’. ‘Clouds. Ronan & Erwan Bouroullec’. Sección Libros: ‘Abecedario Fonético’. ‘Create’.

>Pasajes Diseño nº 12. Sección Transversales: ‘Seongyong’, ‘TAF Arkitektontor’.

>Pasajes Diseño nº 13 (mayo). Sección Noticias: Mia Hamborg; Sección Transversales: ‘Blow Fabric by Nendo’.

>Pasajes Diseño nº 14 (junio). Sección Transversales: ‘Artificial Flowers. Hella Jongerius’. ‘Street Gallery. Stone Designs’.

>Pasajes Diseño nº 15 (julio/agosto). Sección Transversales: ‘Pinch’.

>Pasajes Diseño nº 16 (septiembre/octubre). Sección Transversales: ‘Mr Light Series. Tomás Alonso’. ‘Stuffed’. ‘Wood Vases. Paul Loebach’. ‘Fotoesculturas. Alejandra Laviada’.

>Pasajes Diseño nº 17 (noviembre/diciembre). Sección Transversales: ‘Plus Minus Zero’, ‘Kkaarrlls’.

>Rockdelux nº 269 (enero). Sección Cine: reseña ‘Quantum of Solace’.

>Rockdelux nº 270 (febrero). Sección Cine: reseña ‘Quarantine’; sección Cómics: reseña ‘Malas Tierras’ 4.

>Rockdelux nº 271 (marzo). Sección Cómics: reseña ‘Berlín’.

>Rockdelux nº 272 (abril). Sección Cine: reseña ‘Che. Guerrilla’; sección Cómics: reseña ‘Breakdowns’.

>Rockdelux nº 274 (junio). Sección Cine: reseña ‘Orígenes X-Men: Lobezno’; sección Cómics: ‘Las calles de arena’, ‘El resentido’.

>Rockdelux nº 276 (septiembre). Sección Cine: reseña ‘Harry Potter y el misterio del príncipe’; sección Cómics: reseña ‘Mi vida mal dibujada’.

>Rockdelux nº 278 (noviembre). Los Mejores Cómics: crítica ‘Louis Riel’. Las Mejores Películas: ‘Antes que el diablo sepa que has muerto’.

>Rockdelux nº 279 (diciembre). Sección Cine: reseña ‘Millenium. La chica que soñaba con una cerilla y un bidón de gasolina’.

>El Manglar nº 9 (marzo). Sección En la Rama: reseñas ‘Calles contadas’, ‘Cuaderno de tormentas’, ‘Ombligos’, ‘Silvio José Emperador’. Sección La Galería Ilustrada: artículo sobre el ilustrador Ed Carosia. Sección La Última Hoja: artículo sobre Joan Marín, dibujante de ‘Olimpita’.

>El Manglar nº 10 (julio). Sección Entrevista: extensa entrevista con David Rubín (siete páginas), autor de ‘Corazón de Tormentas’. Sección En la Rama: reseñas ‘Emotional World Tour’,‘Pascal Brutal’. Sección La Última Hoja: artículo sobre Miguel B. Núñez, autor de ‘El corazón de los árboles’.

>El Manglar nº 11 (noviembre). Sección En la Rama: reseñas ‘Paquidermo’, ‘Pluton BRB Nero’, ‘El sabor del cloro’. Sección La Galería Ilustrada: artículo sobre el ilustrador David Sánchez. Sección La Última Hoja: artículo sobre Chema García, dibujante de ‘Cortocuentos’.

>Madriz nº 4 (primavera/verano). Sección Cultura: ‘Una larga historieta’. Artículo sobre autores de novela gráfica de Madrid.

>Madriz nº 5. (otoño / invierno). Sección Foro: ‘El veneno del cine’. Artículo sobre los cineastas que componen la productora Arsénico Producciones.

>Cartelera Turia nº 2.392. Sección The Front Page: artículo ‘Don Juan en pantalón corto’, sobre la serie televisiva ‘Dos hombres y medio’.

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Nacho Carbonell

La paradójica libertad del nuevo diseñador

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En el teléfono la voz de Nacho Carbonell suena sosegada e ilusionada, sin atisbo de apatía o fatiga, en esta mañana que ha amanecido brumosa en Eindhoven, una ciudad donde, según bromea el propio Nacho, hace tan mal tiempo que sólo apetece trabajar. Digamos: climatología europea contra indisciplina mediterránea. En Valencia, a Nacho le cuesta concentrarse: se está tan bien en la calle que siempre anda por ahí con los colegas. En Eindhoven, reconoce, se siente en “modo trabajo”. Su gentileza, su actitud despojada de profesionalidad al responder al periodista que le llama, resulta estimulante. En un sector donde está de moda que los profesionales se disfracen, donde la personalidad es una tendencia de temporada, es una rara avis.

A Nacho Carbonell por ahora le funciona la estrategia poco estratégica de ser él mismo. Quizás fue el diseñador que más atención atrajo en el pasado Salón Nude, la sección joven de la Feria del Mueble de Valencia. Quizás eso pudo provocar malestar entre compañeros de espacio y/o generación. Quizás. Y quizás es que había motivos. Porque, siendo de la tierra, Nacho se presentó en Nude con su aureola de diseñador holandés, y exhibiendo una mitología proyectual radicalmente inversa a la oficial, a la predominante. Donde todo eran prototipos concebidos para entrar en producción, desarrollados por diseñadores –jóvenes- entrenados para entregarle a la industria lo que la industria necesita, Nacho exhibió unas piezas raras, extravagantes, de estética hipermodernamente artesanal; unas piezas que desprenden un desinterés radical hacia lo que la industria quiere o le importa.

“Estoy en una posición privilegiada, tengo suerte. Ante el interés de la gente, analizo: ¿Qué les cautiva de estos proyectos? Creo que, en gran medida, es porque están realizados a mano. Si estos proyectos se industrializaran, no resultarían tan atrayentes”.

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Puede que una clave para explicar la seducción que provocan los objetos de Nacho sea su naturaleza híbrida. Esa indefinición que muestran, entre el arte y el diseño. Entre la experimentación y la ingenuidad. Si sus colegas del Nude, muchos de ellos paisanos, han asimilado la poderosa tradición local del mueble y están deseosos de transformarla con sus innovadoras estrategias aprendidas en las escuelas de diseño, Nacho, que completó su ortodoxa formación como diseñador valenciano licenciándose en la Universidad CEU San Pablo de la ciudad, llegó al evento perfumado con la fragancia de la heterodoxia, que es un aroma corriente en Eindhoven. Nadie, ni en Valencia ni en España, hace lo que hace Nacho. Quizás el joven –también presente en ese Nude- Alberto Arza. Pero es que Arza es autodidacta. Los diseñadores formados en escuelas –o sea: todos los demás- están en la ideología de la producción. Con Carbonell también se recupera el ciclo de la emigración reciente de los diseñadores valencianos. Un éxodo que propició el asentamiento de Héctor Serrano en Londres; un éxodo del que ya regresaron Culdesac y Herme y Mónica, y que mantiene en viaje de ida y vuelta permanente a Luis Eslava.

La visión del diseño de Nacho Carbonell redefine, en cierta forma, las posibilidades orgánicas de la disciplina. Porque la forma en la que sus proyectos se inspiran en la naturaleza trasciende lo relacionado con la forma. Sus objetos parecen florecer de las ramas de los árboles, de la tierra del suelo. Comparten la sabiduría y la erosión del mundo. Podría decirse que surgen de una atmósfera de olores primarios y crepúsculos nítidos. Si la imperfección puede ser una tendencia orgánica, Carbonell está en primera línea de esa perspectiva. También en la del diseño que se exhibe arropado de discurso, del diseño que estimula la renovación de ideas y juicios establecidos. La sofisticada artesanía de sus piezas está envenenada de interrogantes.

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“Entiendo el diseño como una reflexión”, dice. “Creo en el diseñador como filósofo, en que su papel en la sociedad puede ser el de la llave que abre la puerta a la transformación de los ideales. Con mi trabajo, intento sugerirle a la gente nuevos valores sobre su lugar en el mundo”.

Considerando el delicado equilibrio en el que se sostiene su breve carrera –que comenzó en febrero de 2007, con su graduación en la Academia de Eindhoven-, a Nacho Carbonell también le resulta cercana la preocupación por su propia vocación y profesión. Últimamente se está encontrando con ex compañeros suyos que han accedido a puestos bien considerados y remunerados, en departamentos de diseño de empresas como Philips, y que, sin embargo, están planteándose dejar la profesión. La obsesión por el desarrollo sistemático y no reflexivo de nuevos productos, el ambiente despersonalizado y la espiral competitiva, están entre los motivos. Esta realidad afecta a Nacho, que siente como muy frágil su situación, y que es consciente de que en cualquier momento puede verse en la tesitura de tener que imprimir su currículum y buscar trabajo. De ahí su atrincheramiento en la defensa de una actitud profesional y estética que puede renovar su oficio. Nacho Carbonell ejemplifica al nuevo diseñador. A ese que no está interesado en perpetuar los incesantes hábitos de producción que hoy inundan el planeta de productos replicantes o innecesarios. Nacho es esa clase de profesional que cree que la creatividad y el respeto por el medio ambiente pueden hacernos mejores.

“La figura del diseñador está cambiando. Yo creo que ha llegado el momento de hacer algo nuevo. La gente reacciona positivamente a lo raro o diferente. La gente quiere otras cosas. Vivimos rodeados de un mercado que estimula el diseño como estética, como moda, como tendencia que caduca al final de la temporada. A mí me parece que ha llegado el momento de replantearnos esta forma de actuar. El desgaste del medio ambiente nos va a pasar factura. No hacemos más que joder los recursos y no se percibe aprecio por las cosas. Yo quiero crear objetos atemporales”.

El acabado deliberadamente manual de los muebles de Nacho Carbonell también es una declaración de principios. Puede considerarse una característica que entronca con la ambición del diseñador valenciano de vincularse con una corriente profesional que tiene en Holanda un caldo de cultivo propicio y mimado por las políticas progresistas del estado neerlandés. Nacho es beneficiario de una beca Design Incubator, que le proporciona los miles de euros necesarios para sobrevivir y para darle impulso a su incipiente carrera profesional. Además, ni siquiera tiene que preocuparse del alquiler de su espacio de trabajo, ya que se le ha permitido constituir su estudio en el edificio de una antigua iglesia en Eindhoven, un entorno comunitario que comparte con otros diseñadores recién licenciados. Nacho es consciente de que vive una situación prácticamente idílica, aunque le preocupa que quizás termine el próximo mes de octubre, ya que es posible que no pueda seguir ocupando su espacio en la iglesia. Con Nacho Carbonell se ejemplifica una paradoja que es signo de los tiempos: un diseñador que ha aportado un renovador vendaval de aire fresco no vive de su trabajo, sino de las subvenciones. Justo al contrario que sus compañeros del Salón Nude, esos que andan imbuidos en la continuidad de la tradición productiva. Esos que pueden valerse por sí mismos.

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A Nacho le abrieron la mente las clases de Jurgen Bey durante su primer semestre en la Design Academy Eindhoven. Le sacudieron los valores que traía aprendidos de España. Carbonell considera a Bey una de sus principales influencias, por esa interrogación constante de lo establecido que es característica de autoría del diseñador de Rotterdam. Pero un autor clave en la evolución del valenciano es el también heterodoxo y brillantísimo Maarten Baas. El método de trabajo de Baas, su reformulación de la artesanía, ha calado hondo en la visión del diseño de Carbonell. También porque Baas es un experimentador radical, un autor que fusiona mensaje y controversia en unos objetos de naturaleza ardiente. A veces literalmente ardiente. “De Maarten Baas he aprendido también la importancia de la experimentación”, reflexiona Nacho. “En mi estudio es un valor esencial. Hay que probar y probar hasta que se obtiene un resultado satisfactorio”.

Preguntado por el futuro, Nacho se muestra vacilante. No sabe lo que ocurrirá, aunque sí lo que quiere. Quiere vivir de su trabajo. Quiere continuar como está ahora. En Holanda o en Valencia. “Lo más importante es hacer lo que quieras cuando quieras”. Y estaría bien. Quizás el nuevo diseñador, después de encontrar su espacio ideológico y sus coartadas estéticas, encuentre su espacio comercial. ¿Qué es lo que más valorará Nacho Carbonell, tanto del futuro lejano como del cercano, esté donde esté? La libertad, dice, desde su mañana gris. “La libertad de expresión”.

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Pump it up, 2007. La interacción entre especies es el concepto a partir del cual se desarrolla Pump it up. Al sentarse el usuario, los animales cobran vida y le proporcionan compañía.

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Soft Concrete, 2007. En este diseño, Carbonell introdujo una preocupación habitual en el diseño holandés: cómo el proceso afecta al resultado final. Está producido en hormigón y puede crearse en el lugar donde va a quedar instalado.

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Dream of Sand, 2007. Concebido para ser creado en el lugar donde va a ser instalado –y otorgarle, por tanto, características del entorno-, este banco utiliza la arena como material de diseño. El recubrimiento exterior es de caucho.

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Por las ramas, 2007. Un refugio natural donde el usuario puede sentirse protegido como en un feto. Muy conceptual, este proyecto está producido con bioplásticos, unos materiales utilizados en agricultura que se disuelven de forma natural.

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Hot Kettle, 2008. Una tetera que comunica su estado a través de su lenguaje corporal. Carbonell siguió los principios de dualidad y contradicción del objeto para encontrar su forma.

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Evolution, 2008. Presentada en el pasado Salón de Milán, esta línea de mobiliario conceptual integra diversas metáforas. Las piezas están producidas manualmente con pasta de papel de periódico reciclado sobre estructura de cable metálico. Las tres contienen reflexiones sobre la información y el ritmo de vida contemporáneos.

Publicado en PASAJES DISEÑO nº4

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Índice de trabajos 2008

>Entre Enero y Noviembre, redactor en plantilla en Pasajes Diseño, realizando labores de investigación, coordinación, redacción y corrección.

>Desde Diciembre, periodista cultural freelance colaborando en diversas publicaciones: Pasajes Diseño, Rockdelux, Madriz, El Manglar.

>Entre Enero y Diciembre, diversas colaboraciones como especialista en cómic en el programa radiofónico La Guía del Cómic, de Radio Círculo.

Artículos:

>Experimenta nº 60 (marzo). Sección Observatorio: ‘La poética del ciborg’; Sección Outbox: ‘Los juegos de Charles y Ray Eames’, ‘El espíritu de la moda’.

>Pasajes Diseño nº 0 y 1 (marzo y abril). Sección Transversales: ‘100% Inc. La forma icónica’, ‘Drop Chandelier. La utilidad de los objetos inútiles’, Stuhlhockerbank. Diseño que provoca historias’, Greetje van Tiem. Sigue el hilo de las noticias’, ‘Eva Solano. Paredes de geografía salvaje’. Sección Exposiciones: ‘Piet Hein Eek en el Círculo de Bellas Artes’, ‘La edad de oro del diseño gráfico holandés’.

>Pasajes Diseño nº 2 (mayo). Sección Transversales: ‘Concrete Blonde. Walled Paper’, ‘Richard Hutten. Hojas magnéticas’, ‘Eric Morel. Fusión renovadora’, ‘101. 48 perchas’, ‘Rotor. Kitchen One’, ‘Museo para niños. Entre la galería real y la casa de muñecas’. Sección Perfil: ‘Piet Hein Eek. La marca de la imperfección’.

>Pasajes Diseño nº 3 (junio). Sección Transversales: ‘Amai Rodríguez. Romanticismo + Surrealismo = Moda’, ‘Martin Holzapfel. La belleza del misterio en el mobiliario’, ‘Ayako Maruta / Diesel. La vanidad de una marca’.

>Pasajes Diseño nº 4 (julio – agosto). Sección Transversales: ‘Hackenbroich. Sitscape’. Sección Perfil: ‘Nendo. Diseño de emociones contenidas’. Sección Introducing: ‘Nacho Carbonell. La paradójica libertad del nuevo diseñador’.

>Pasajes Diseño nº 5 (septiembre). Sección Transversales: ‘Bruketa & Zinic. Well Done’, Ronan y Erwan Bouroullec en Design Parade. Pasos de jóvenes experimentados’, ‘d-Vision. La necesidad del neo-naturalismo’, ‘Jurgen Bey. Otra forma de belleza’, Aesop. Cuidar el pelo, la piel y la personalidad’. Sección Perfil: ‘Inga Sempé. La inventora del paragüas’.

>Pasajes Diseño nº 6 (octubre). Sección Transversales: ‘Hackenbroich. Sitscape’. ‘Naoko Kanehira. Cushion Sofa’, ‘Mesas Iris. La forma de la pupila’, ‘Airia & Enchord’, ‘Yves Behar. Colección C’, ‘Vendome. El problable (o improbable) diseño del futuro’, ‘Jantze Brogard Asshoff. Creando una tradición global’, ‘Arthur Casas. Tienda Alexandre Hercovich’, ‘Sheepstable / 70F Architecture. La vida lujosa de las ovejas’.

>Pasajes Diseño nº 7 (noviembre). Sección Transversales: ‘Wis Design. Conciencia de la forma’, ‘Habitat Valencia 2008. Signos de una transición’. Sección Exposiciones: ‘Patricia Urquiola. Paisaje de patrones’.

>Pasajes Diseño nº 8 (diciembre). Sección Transversales: ‘La Maison de Marina. Materia viva’, ‘One of a kind. Muebles protagonistas’, ‘Proyecto Revival. Contra la tendencia’, Sección Perfil: ‘Emiliana Design Studio. El objeto y el cuerpo’.

>Rockdelux nº 260 (marzo). Sección Cómics: reseña ‘El local’.

>Rockdelux nº 261 (abril). Sección Cómics: reseña ‘Lo que el viento trae’.

>Rockdelux nº 262 (mayo). Sección Cómics: reseña ‘Jamilti’.

>Rockdelux nº 263 (junio). Sección Cómics: reseñas ‘Bajo el aire’ y ‘Señal y ruido’.

>Rockdelux nº 265 (septiembre). Sección Cómics: reseña ‘Batman Año Uno’.

>Rockdelux nº 266 (octubre). Sección Cómics: reseñas ‘Hardboiled’, ‘Profesor
Bell 3’.

>Rockdelux nº 267 (noviembre). Sección Cómics: reseña ‘Batman Año 100’.

>Rockdelux nº 268 (diciembre). Sección Cómics: reseñas ‘La historia de mi madre’ y ‘Bitch’.

>El Manglar nº 6 (marzo). Sección En la Rama: reseñas ‘Blotch’, ‘Psico Soda’. Columna Desde el bosque: sobre el fallo del I Premio Fnac-Sinsentido de Novela Gráfica.

>El Manglar nº 7 (julio). Sección En la Rama: reseñas ‘Guía para padres desesperadamente forzosos’, ‘El jardín armado’, ‘El manual de mi mente’. Sección La Galería Ilustrada: artículo sobre Miguel Porto. Sección La Última Hoja: artículo ‘Luis Bustos. El reto de la aventura’.

>El Manglar nº 8 (noviembre). Sección En la Rama: reseñas ‘Gus 2. Bandido guapo’, Hardboiled’, ‘Peplum’, ‘Shortcomings’. Sección La Galería Ilustrada: artículo sobre Puño. Sección La Última Hoja: artículo ‘Fermín Solís. La violencia del sueño’.

>H Magazine nº 97 (octubre). Especial 10 años: artículos Jordi Labanda, Leila Méndez.

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Amai Rodríguez

Romanticismo + Surrealismo = Moda
Foto (c) Ballesteros / EFE

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La moda como mundo paralelo. Como diversión onírica. Como prolongación del mundo de los sueños en el mundo real. Como goce, como juego, como locura transitoria. También como irreverencia juvenil que no necesita ni espera recompensa económica. Está por cuantificarse el bien que El Ego está produciéndole a Madrid, a la moda y, por supuesto, por extensión, al diseño español. Amai Rodríguez fue una de los talentos emergentes que despuntaron en la última edición de esta pasarela, que cada día es menos la sección joven de Cibeles, y más un evento con personalidad propia e intensa.

Nacida en Pontevedra hace 22 años, Amai acaba de graduarse en la Escuela Superior de Diseño y Moda Esdegma, de Vigo. Antes de eso, venía de cursar dos años de Bellas Artes, un bagaje que, como ella misma reconoce, le ha ayudado a darle forma a su visión narrativa de la moda: “Me encantaba estudiar arte, y de esa época mantengo la afición a visitar con frecuencia galerías y exposiciones”, dice. “Intento aplicar lo que aprendí en Bellas Artes en mis diseños. Creo que hay que educar el ojo y, por tanto, el gusto, teniendo en cuenta diferentes disciplinas”.

La participación de Amai en El Ego le ha convertido en una pequeña celebridad entre las revistas de moda y tendencias, que han publicado diversas reseñas sobre su trabajo. Sobre la revisión onírica y callejera del Mago de Oz que daba forma a esa colección, explica: “No tengo ninguna dinámica que guíe las historias que cuento. Todo depende de lo que necesite o quiera mostrar, pero sí es cierto que siempre trato de buscar en lo cotidiano y llevarlo a una dimensión alejada de la realidad, a cierto universo donde la estética es la que manda”.

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Romanticismo y Surrealismo. Esos son los estilos artísticos, complejísimos, que Amai ha fusionado con éxito en su primera serie de diseños. Dos estilos que convergen en un peculiar “mundo utópico”. ¿Hasta qué punto le interesa a la joven gallega la moda alejada de la cotidianidad de la calle? “Hasta el punto de haberme volcado en ella durante toda la carrera. Pero a la vez esa cotidianidad es una de mis mayores fuentes de inspiración. Me gusta integrar en ella mundos utópicos, como los del Romanticismo y el Surrealismo. La moda es un mundo duro y, por tanto, todo lo que estimule la evasión de diseñador y espectador, es bienvenido”.

Hay otros aspectos destacables de este primer trabajo de Amai Rodríguez. El valor de la experimentación está entre ellos. La experiencia de la fusión, también. Y la concepción de autoría integral del proyecto, desde el boceto inicial al universo de la foto final: otra evidencia de la calidad multidisciplinar con la que Amai está enriqueciendo su trabajo. “Quiero diseñar, pero eso no es impedimento para hacer yo misma las ilustraciones o las fotografías; son terrenos que, en mi caso, me gustaría que estuviesen relacionados”, asegura. “La ilustración como antesala de la prenda, y la fotografía como colofón final, ya que a través de un objetivo y un poderoso clic, puedes trasladar cualquiera de tus creaciones a otro mundo, o simplemente jugar a verlo desde varios puntos de vista, y eso a su vez también ayuda a desarrollar diferentes y futuras ideas y a educar la sensibilidad”. Un planteamiento reflexivo y transversal con el que Amai demuestra que no era tan espontánea la locura transitoria de su primera colección.

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Publicado en PASAJES DISEÑO nº 6

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